Ave Maria...Virgo serena de Josquin Desprez

As obras de arte no Laboratório da fé

Creio em um só Senhor, Jesus Cristo...

Encarnou pelo Espírito Santo, 
no seio da Virgem Maria
e se fez homem

Ave Maria...Virgo serena 

de Josquin Desprez (c. 1440-1521)

A Virgem Maria e Pôncio Pilatos são os únicos personagens históricos, para além de Jesus Cristo, obviamente, presentes no credo Niceno-Constantinopolitano. Um marca o início da existência terrena do Verbo de Deus, o outro assina o decreto do seu fim. A Virgem Maria está no mistério da Incarnação, Pôncio Pilatos está no mistério da Paixão, Morte e Ressurreição do Messias, Rei dos Judeus. Por isso, não é de estranhar que a Virgem Maria esteja tão presente quer na piedade do povo de Deus quer nas obras de arte. A peça que propomos para meditação é um dos mais importantes exemplos dessa presença do louvor à Virgem Maria na Música. Ela é um compêndio de várias texturas musicais desde a polifonia imitativa até à homofonia rigorosa.

O texto é um louvor a Maria fazendo referência a vários momentos da sua vida celebrados nas respectivas festas litúrgicas e enquadrados por um louvor inicial e uma súplica final. O texto está assim composto:

Louvor inicial: Avé Maria, cheia de graça, o Senhor está contigo, Virgem serena.
Festa da Imaculada Conceição: Avé àquela de quem a Concepção enche de uma nova alegria os céus e a terra.
Festa da Natividade da Virgem: Avé àquela de quem a Natividade nos traz a alegria, como a estrela da manhã anuncia o verdadeiro Sol.
Festa da Anunciação: Avé, piadosa humildade, fecundada sem homem, de quem a Anunciação nos trouxe a salvação.
Festa da Purificação de Maria: Avé, verdadeira virgindade, castidade imaculada, a sua purificação foi a nossa purgação.
Festa da Assunção de Maria: Avé, gloriosa entre todos anjos, a sua Assunção foi a nossa glorificação.
Prece final: Ó Mãe de Deus, lembrai-vos de mim. Amen.
Nesta obra-prima, todos os detalhes são importantes e merecem ser referidos, todavia indicaremos apenas alguns mais significativos.
O louvor inicial começa com uma extraordinária polifonia imitativa em que os sopranos convidam ao louvor e as outras vozes respondem sucessivamente a esse convite. De notar a forma magistral como Josquin Desprez trabalha musicalmente a palavra “Serena” em que o baixo chega ligeiramente mais tarde como que para solidificar o acorde final dando-lhe serenidade.
Na festa da Imaculada Conceição, a música começa numa textura homofónica imitativa por grupos de duas vozes até as quatro se juntarem numa proclamação solene na palavra “Solemni”. De notar a maravilhosa forma como Josquin Desprez chega à palavra “laetitia” por vagas musicais sucessivas até à última proclamação por parte do contralto dando a ideia de um arrebatamento.
Na festa da Natividade da Virgem, a textura polifónica imitativa evoca a estrela matutina que precede o Sol, de notar também que a exposição das vozes vai do soprano para o baixo assim como a Natividade de Maria precede a Natividade de Jesus.
Na festa da Anunciação, seguindo o texto, a música está construída em textura polifónica por grupos de duas vozes: soprano, contralto / tenores, baixos. De notar que o texto: “sine viro fecunditas” e dito pelos homens.
Na festa da Purificação de Maria, a música começa em textura homofónica mas com os tenores em décalage de um tempo. A palavra “purgatio” tem um tratamento muito semelhante ao anteriormente dado à palavra “laetitia” eventualmente para pôr em relação a nossa alegria com a remissão dos pecados.
Na festa da Assunção, a textura polifónica representa a subida de Maria à glória celeste e prepara a súplica final de nós que ainda esperamos na terra essa mesma glória.
Na prece final, todas as vozes se reúnem numa única súplica em perfeita homofonia, representando a unidade espiritual dessa súplica. O “Amen” final dá a ideia de solidez e perseverança.
A mestria com que Josquin Desprez utiliza os recursos musicais do seu tempo abrindo simultaneamente novos caminhos à linguagem musical torna esta peça um marco fundamental na história da música ocidental. A perícia e a deferência com que o texto é trabalhado dão-lhe uma luz não à maneira do figuralismo dos madrigais mas na tradição do Canto Gregoriano.

Padre Hermenegildo das Neves Faria

Teto da Capela Sistina de Michelangelo

As obras de arte no Laboratório da fé

Creio em um só Deus, Pai todo-poderoso,

Criador do céu e da terra, de todas as coisas visíveis e invisíveis

Teto da capela Sistina (1512) – Michelangelo (1475-1564)

Incontestavelmente o fresco do teto da Capela Sistina realizado por Michelangelo pode ser contado entre as maravilhas do génio humano, um dos maiores tesouros artísticos da humanidade. Ao que parece, o pintor terá posto mãos à obra contrariado pois julgava que esta encomenda do Papa Júlio II era um conluio de seus rivais para desviá-lo de uma outra obra para a qual havia sido chamado a Roma: o mausoléu do Papa. De facto, Michelangelo considerava-se muito mais escultor que pintor.
A parte central da abóbada apresenta nove histórias do livro dos Génesis divididas em três grupos de três relativas à origem do universo, do homem e do mal. Os três primeiros episódios [separação da luz das trevas (Gen 1, 1-5), criação dos astros e das plantas (Gen 1, 11-19), separação da terra e das águas (Gen 1, 9-10)] dominados pela presença de Deus, criador do universo. Segue-se a criação de Adão (Gen 1, 26-27) e de Eva (Gen 2, 18-25) onde o homem e a mulher aparecem na sua nudez, símbolo da inocência (Gen 2, 25), perdida com o pecado original, (Gen 3, 1-13), representado no painel seguinte com a consequente expulsão do Paraíso Terrestre (Gen 3, 22-24). Os três últimos painéis [Sacrifício de Noé (Gen 8, 15-20), Dilúvio universal (Gen 6, 5 - 8, 20), Embriaguez de Noé (Gen 9, 20-27)] mostram a queda da humanidade e o seu renascimento com Noé.
O elemento mais famoso deste conjunto de nove painéis é sem dúvida a criação de Adão. Muitíssima literatura foi já produzida para tentar desvendar o mistério desta composição tentando interpretar cada um dos seus elementos. Podemos certamente identificar dois cenários principais: um terreno onde Adão está deitado e um celeste onde Deus se encontra. Os dois elementos tentam unir-se pelos dedos indicadores da mão esquerda de Adão e da mão direita de Deus. O elemento vermelho que envolve Deus e os outros personagens que o rodeiam tem a forma anatómica quase perfeita de um cérebro incluindo o lobo frontal, nervo ótico, glândula pituitária e o cerebelo. A própria ligação sem toque das mãos de Deus e do homem fazem lembrar as sinapses das células nervosas. A figura feminina que segura o braço esquerdo de Deus foi interpretada de várias formas, desde a Virgem Maria ou a alma de Adão ou até à Sabedoria divina que estava junto de Deus antes do ato criador numa referência ao livro dos Provérbios: “O Senhor criou-me, como primícias das suas obras, desde o princípio, antes que criasse coisa alguma. Desde a eternidade fui formada, desde as origens, antes dos primórdios da terra. Ainda não havia os abismos e eu já tinha sido concebida; ainda as fontes das águas não tinham brotado; antes que as montanhas fossem implantadas, antes de haver outeiros, eu já tinha nascido. Ainda Ele não tinha criado a terra nem os campos, nem os primeiros elementos do mundo.” (Pr 8, 22-26). O dedo indicador direito de Deus faz certamente alusão hino medieval “Veni creator spiritus” onde o Espírito Santo é chamado “ Dedo indicador da mão direita de Deus.” “Tu septiformis munere, Digitus Paternae dexterae, Tu rite promissum Patris, Sermone ditans guttura.”
Como sempre, as obras-primas da arte permitem interpretações infindas pois elas são simultaneamente momentos únicos de criatividade e eco da tradição espiritual da humanidade.

Padre Hermenegildo das Neves Faria

«Os Elementos» de Jean-Féry Rebel

As obras de arte no Laboratório da fé

Creio em um só Deus, Pai todo-poderoso,

Criador do céu e da terra, de todas as coisas visíveis e invisíveis

Génesis 1, 1-2 — «No princípio, quando Deus criou os céus e a terra, a terra era informe e vazia, as trevas cobriam o abismo, e o espírito de Deus movia-se sobre a superfície das águas». 

A criação do mundo na obra de Jean-Féry Rebel (1666-1747): 

“Os Elementos” (1737) 

Rebel faz parte de uma rica linhagem de músicos da corte francesa dos séculos XVII e XVIII que têm Lully por antepassado e de quem foi aluno. Fez parte do prestigiado grupo dos 24 violinos do Rei. Rebel exceleu sobretudo na música para bailado tendo mesmo inventado um novo género musical chamado “Sinfonia coreográfica”. A sua peça mais conhecida chama-se “Os Elementos”, um bailado em dez andamentos descrevendo a criação do mundo partindo do caos inicial e passando pela criação sucessiva dos quatro elementos primordiais (terra, água, fogo e ar). O inicial andamento chamado “Caos” começa com aquilo que muitos musicólogos pensam ser o primeiro “Cluster” da história da música ocidental. A peça começa com todas as sete notas da escala de ré menor tocadas em simultâneo. Na introdução à sua obra Rebel escreve: "Osei pôr em relação a ideia de confusão dos elementos primordiais com a confusão na harmonia". O Cluster inicial reaparece várias vezes com a música a descrever o aparecimento gradual dos quatro elementos que se batem para escapar ao Caos primordial para tudo terminar numa harmonia perfeita. O ar aparece num registo agudo nas flautas como que suspenso acima do caos. A água é descrita por fluxos de escalas musicais. O fogo e a terra entram em conjunto mas em registos opostos. O fogo num registo agudo cintilante dos violinos que dançam com o ar. A terra é representada num registo grave. À medida que os quatro elementos vão entrando, sete vezes, numa clara alusão aos sete dias da criação, o ritmo do caos diminui. “Os Elementos” de Jean-Féry Rebel exemplifica bem o ideal estético que tenta, pela música, a perfeita imitação da natureza. Vivaldi levará esta tarefa a um apogeu alguns anos mais tarde com o seu Concerto nº1 a 4 opus 8 “As quatro estações”. Rebel parte da narrativa bíblica da criação em que Deus Todo-Poderoso cria um mundo harmonioso a partir de um caos inicial e indiferenciado. 

Padre Hermenegildo das Neves Faria

A alegoria da fé católica de Johannes Vermeer

As obras de arte no Laboratório da fé

Creio em um só Deus, Pai todo-poderoso

Johannes Vermeer (1632 – 1675)
A alegoria da fé católica
Óleo sobre tela (114 × 89 cm)
Metropolitan Museum of Art Nova Iorque

Esta pintura de Johanes Vermeer, realizada já no final da sua vida, é uma das mais conhecidas alegorias da fé. É uma pintura cheia de simbolismo e de referências a outras obras que merece um olhar atento. Do teto pende, pendurado num cordão azul, uma esfera de vidro. Este elemento do quadro é ainda um pouco enigmático mas pensa-se que é uma referência a um livro do jesuíta Willem Hesius onde encontramos uma gravura semelhante.



O poema que acompanha essa gravura afirma que a capacidade humana de compreender o universo (o sol) é a mesma que procura compreender as verdades da fé (cruz), uma inscrição latina acompanha essa gravura: «Capit Quod non Capti» (compreende aquilo que não consegue abraçar) seria assim uma tradução da afirmação de fé que diz que o homem é capaz da fé em Deus. A mulher que simboliza a fé está vestida de branco, cor da pureza, e azul, cor celeste, ela põe a sua mão no coração afirmando assim que a fé reside no coração, no interior do homem. Os três objectos colocados sobre a mesa (Cálice, Crucifixo e Bíblia ou Missal) são os atributos tradicionais da alegoria da fé: pela fé sabemos que a Eucaristia é Corpo de Cristo, pela fé sabemos que a Bíblia contém a Palavra de Deus e, pela fé, sabemos que, pela Sua Santa Cruz, Jesus remiu o mundo. A alegoria da fé tem o globo a seus pés indicação de que a fé dominará o mundo. No chão temos uma maça, símbolo do pecado original, e uma serpente, símbolo do Maligno, esmagada por uma pedra angular, símbolo de Cristo, a Pedra Angular, que esmagou o mal. Um aspecto muito curioso deste quadro é a pintura do fundo. Não é raro que pintores imitem e copiem outros pintores mas é muito raro ver uma citação de outra pintura assim de uma forma tão explícita. A obra citada é a Crucifixão de Jacob Joardens (1593-1678).



Através da presença deste quadro no cenário da pintura, Vermeer inscreve a sua meditação sobre a fé na tradição da meditação artística sobre os mistérios da fé. A fé reside no coração, no mais íntimo do homem, mas exerce-se em diálogo com uma tradição que se recebe como um dom.

Padre Hermenegildo das Neves Faria

Credo da «Missa em Si Menor» de João Sebastião Bach

As obras de arte no Laboratório da fé

Creio em um só Deus, Pai todo-poderoso

A proclamação da fé é simultaneamente pessoal e eclesial: O verbo está na primeira pessoa do singular «Credo» (eu acredito) mas o que é proclamado é um símbolo com séculos de existência que foi já proclamado por centenas de gerações.
Assim, os artistas, cada um na sua arte, assumem essa mesma fé eclesial e a dizem segundo o seu génio próprio.
Já perto do final da sua vida, João Sebastião Bach escreveu a «Missa em Si Menor», uma peça magistral de quase duas horas, uma das obras maiores do génio humano. Nela, Bach recapitula toda a sua arte musical e exprime de forma profunda a sua fé. Na «Missa em Si Menor», o «Credo» é a peça central e começa com uma proclamação do texto: «Credo in unum deum».

Trata-se de uma fuga a 7 vozes (o número da plenitude e da divindade) em que as duas vozes superiores são tocadas por dois violinos. O baixo contínuo é tocado pelos violoncelos e é aquilo a que se chama um «baixo deambulante» o que dá uma forma ondulante à sua linha melódica. As vozes humanas cantam assim entre um baixo que deambula “«terra» e dois violinos que cantam «no céu». O carater ondulante do baixo pode também ser associado ao ondular do mar representando assim a barca da Igreja que afirma a sua fé no meio das oscilações do mundo.
As vozes dizem 43 vezes a palavra «Credo» que é o número a que corresponde a palavra segundo o alfabeto latino (C=3+R=16+E=5+D=4+O=14)=43. Se acrescentarmos a este número as 6 proclamações feitas pelos violinos temos 49 que é 7x7 (o número sagrado). Bach utiliza o tradicionalíssimo tema gregoriano do Credo da «Missa IV», utilizado anteriormente por inúmeros músicos e cantado por gerações de cristãos. Bach usa uma tonalidade maior (ré maior) que na teoria barroca dos afetos simboliza a alegria. As palavras «in unum deum» é dita 84 vezes (7x12), o 12 representa os apóstolos e o 7 a divindade, Bach afirma assim a apostolicidade da fé em Deus. Na página original Bach escreveu: «Simbolum Nicenum», e na partitura Bach disse com a sua arte esse credo que ele o fez assim também seu.
Esperando disponibilidade para ouvir as quase duas horas da Missa em si menor, desejo-vos que disfrutem destes 45 compassos desta obra maior do génio humano.

Padre Hermenegildo das Neves Faria